El afrobeat estaba de moda hace algunos años. Todos buscaban inspiración en África, especialmente en la música y las letras de Fela Kuti, el gran músico nigeriano creador del afrobeat, proveniente del highlife de África Occidental, y del funk afroamericano que conoció tras su contacto con las Panteras Negras en Estados Unidos. En Occidente, la escena musical independiente estaba en crisis, y el afrobeat parecía ofrecer una buena oportunidad para redimir a los músicos occidentales que, ante un presente vacío y despolitizado, creían que "convertirse en africanos" les proporcionaría un remanente muy necesario en la industria. El gran baterista y compositor de África '70, Tony Allen, comenzó a realizar giras por todo el mundo, apareciendo en todos los festivales de Occidente y colaborando en cada nuevo disco. Algunas bandas comenzaron a incluir a músicos de la diáspora africana, quienes se utilizaban para legitimar las bandas como un elemento adicional y contribuían a la autenticidad de ritmos y letras. El afrobeat estaba en todas partes. Surgió de Occidente y recuperó un pasado glorioso perdido en la "oscuridad" de la historia africana. En países como Brasil, pero también en Estados Unidos, el afrobeat permitió a las élites (blancas) descubrir la herencia africana sin sentirse incómodas. Resulta muy extraño si consideramos que Brasil tiene la segunda población negra más grande del mundo. De alguna manera, en una reinterpretación distorsionada de la dialéctica hegeliana amo-esclavo, abordada por Frantz Fanon, Occidente reconoció su dependencia de la tradición musical africana sin reconocer la independencia de África respecto a su cosmovisión.

No es correcto aprovechar el legado y la creatividad de culturas oprimidas sin considerar las repercusiones. Esto es apropiación. Pero Höröya ha tomado un camino diferente. La banda paulista no imita el afrobeat ni el afrojazz. Los utiliza conscientemente. En el contexto de la segregación racial y de clase que define la vida social brasileña, se convierte en una postura política. Su líder, André Piruka, conoce muy bien lo que significa ser afrobrasileño hoy. Sus composiciones musicales, su uso de instrumentos y ritmos africanos, muestran un profundo respeto y comprensión de una tradición cultural que difiere de ciertos estereotipos que aún influyen en la forma en que Brasil entiende su relación con África, a pesar de que África ha moldeado drásticamente la cultura musical brasileña durante siglos. La música creada por la diáspora africana en Brasil, y en el resto del mundo, ha sido el resultado de una lucha colectiva llevada a cabo en las condiciones más inhumanas. Su supervivencia habla de la resiliencia de miles de mujeres y hombres en el momento de su exterminio. Cualquier uso, interpretación, reelaboración o reinterpretación de este patrimonio musical debe tenerlo en cuenta. Así ocurre con Höröya y muchas otras bandas brasileñas que utilizan el afrobeat, partiendo de las favelas de su propia realidad.

Es excepcional, y uno de sus mayores logros, que Höröya no recurra a esas formas estereotipadas y fosilizadas del afrobeat que eran comunes hace algunos años. Höröya toma la decisión consciente de regresar a África, de trabajar con los maestros y de traer África de vuelta a Brasil. Crea una mezcla que aborda la diáspora actual, la realidad del desplazamiento económico y social de los africanos contemporáneos en Brasil. El nombre del álbum, GRI GRI BA, significa en malinke el gran hechizo, el gran hechicero… y así funciona la música que conspira para devolver a Brasil su propia herencia y revivir su propio pasado, los cimientos mismos de su cultura. Se trata de un truco dialéctico. Porque la propia rareza de la música en el auge cultural brasileño actual deja clara la alienación cultural de la sociedad brasileña. Ser africano en el Brasil de hoy todavía significa resistencia y resiliencia, y Höröya ha sido capaz de crear la banda sonora de esta realidad.

Editado por el Dr. Sócrates.

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